Electric Wizard - Black Masses

Depuis We Live, la voie vers laquelle ce line up se dirige est plus ou moins marquée. Avec plus ou moins de charme et de réussite. Car finalement, depuis Dopethrone, le wizard n'a plus grand chose à dire, si ce n'est répéter inlassablement son amour pour les thématiques occultes sur fond de grosses guitares sabbathienne et de riffs enfumés se diluant dans des volutes de produits stupéfiants. Des dopesmoker fans de sorcellerie et de doom des maisons. Le précédent était meilleur que celui d'avant qui était moins chouette que celui qui le précédait. Black Masses est le récit de la levée des forces du mal, et de leur marche sur notre bonne vieille terre, des cryptes de Drugula la nuit de l'eclipse (où le soleil est devenu noir, vous vous souvenez?) pour nous infliger la malédiction du scorpion. L'ambiance est chiadée aux petits oignons, surplus de rawness en prime, lourdeur heavy bien old school pour faire pâlir les concurrents et rythmique de fin du monde qui appuie un riffing en forme d'usines à tubes. Mention à ce final décapant, beau comme l'embrasement d'une église ou comme le sourire du démon, aux confins entre dark ambiant et touchantes mélodies qui ne s'étire malheureusement pas assez. Le reste ? Une solide récitation des poncifs qui font la musique d'un Electric Wizard en forme, peut être moins pachidermique que de coutume, mais bien plus véloce et psychédélique, comme si ils avaient décidé de refiler le statut du groupe chiant à leurs suiveurs d'ufommamut et en profiter pour débrider de plus en plus leur musique. Un enchainement d'accords gras et bas joués rapidement, alliés à des mélodies aiguës sur fond de voix incantatoire perdue dans un nuage de fumée. Un peu à l'image de Darkthrone finalement, qui fait de mieux en mieux la même chose, ou du moins avec de plus en plus de plaisir, Electric Wizard balance ici une demi douzaine de tubes que ton dealer emballe dans un sachet avant de te le refourguer. Emballé c'est pesé, avant de le rouler dans ta platine t'oublieras pas d'allumer quelques bougies et de boire une grande cannette de 8.6. Ces pouilleux ont même intitulé leur single pour soirée houblon Venus in furs. Pas d'inquiétudes, ça n'est pas une reprise du Velvet, mais bel et bien une chanson pour doomsters amoureux (ce sont des humains aussi, ahah). Une bien bonne cuvée.

Kiss The Past Hello de Larry Clark

Vous vous en doutez, pas la peine de parcourir rapidement la filmographie (assez courte en plus) de Larry Clark pour savoir qu’il ne s’agit pas ici d’un film mais bien de l’exposition dont tout le monde parle (au moins dans le microcosme parisien), notamment à cause de son interdiction au moins de 18 ans.

Ce n’est pas vraiment mon rôle de revenir sur cette interdiction. Il me semble qu’il y a des images qu’un enfant ne peut pas voir et il est bien logique d’attendre qu’il est un certain âge pour qu’il les voit. Il me semble également qu’il est antithétique de faire une exposition sur l’adolescence et de priver les individus qui sont en plein dans cette rude période de mutation boutonneuse de contempler leurs congénères même quand ils s’adonnent à des choses secrètes.

Il est certainement là le tabou premier ; un peu comme une partie de la gente masculine ne s’imagine pas une femme qui éructe ou qui flatule, il apparaît qu’une partie du monde adulte ne croit pas en la sexualité des adolescents. Donc, si l’on poursuit le syllogisme jusqu’au bout, si l’adolescent ne baise pas il n’a pas à voir des images de lui-même en train de baiser… Le problème est bien que si ces images existent, le premier vers du syllogisme est infirmé. Bah oui, faut pas être neuneu quand même. Une interdiction au moins de 12 avec avertissement, aurait peut être suffit. Après tout, personne n’empêche les gamins de se bidonner comme des glands devant L’Origine du Monde de Courbet.

Il serait par ailleurs stupide d’enfermer cette rétrospective dans cette polémique qui n’a pas vraiment lieu d’être. Kiss The Past Hello (jeu de mot avec l’expression Kiss The Past Goodbye) revient sur la quasi-totalité du travail de photographe de Larry Clark, débuté aux côtés de sa mère alors qu’il n’avait que 14 ans. Pour illustrer ce passage assez iconoclaste de sa carrière, on découvre pour la première fois des clichés réalisés par sa mère : bambins emmaillotés, chiens de race déguisés, lumière tendre, léchée, rires forcés… On comprend rapidement que cet univers surfait, construit sur les faux semblants et sur l’artifice forgera un esprit bien plus radical. Le rejet semble inévitable.

La rétrospective est chronologique ; comprenez qu’on ne suit pas seulement l’évolution d’un travail mais aussi celle d’un homme, d’un éternel adolescent ou plutôt, d’un nostalgique. Larry Clark a fondé toute son œuvre autour de cette période charnière du passage à l’âge adulte. De 1963 à 1971, le natif de l’Oklahoma s’aventure dans des groupes de jeunes de sa ville pour en livrer un portrait sordide d’une Amérique qui préfère s’ignorer, une Amérique de la marginalité qui se cache dans la maison de Monsieur Tout le Monde. Les armes, la violence, la prostitution, la drogue. Tulsa, sa ville natale, semble être le théâtre de tous les maux d’une société rongée par la guerre du Viet Nam. Chacune des photos de Tulsa est un petit chef d’œuvre en soi. Lumineuses et irradiantes, profondes et violentes, elles révèlent l’indicible et abattent les tabous sans jamais empiéter sur l’intimité des personnes qui sont photographiées.

C’était pourtant le risque et certains diront assurément le contraire. Pourtant la démarche de Clark évite cet écueil racoleur. Que ce soit pour Tulsa, pour Teenage Lust, 1992 ou Los Angeles, Clark a toujours procédé comme un sociologue le ferait : par l’immersion. Il s’est fait accepter, a adopté les codes, compris les principes de ces générations successives sans juger. Il a su se faire eux et ils le lui ont rendu en se livrant à lui, mettant de côté leur peur de l’objectif, se laissant aller à leur quotidien fait d’effrois, de stupre, d’ennui.

La déambulation du visiteur suit horizontalement ces déflagrations, un peu comme un noctambule qui traverserait les quartiers les moins fréquentables d’une grande ville du monde. On prend coup après coup, on s’étonne de cette proximité, de cette complicité avec ses modèles, avec ses amis.

Au bout de Tulsa, juste avant de tourner vers Teenage Lust, la rétrospective a la très bonne idée de diffuser un film inédit de Clark, daté de 1964. Premier pas de cinéaste, préfiguration de ce que pourra être son Wassup Rockers, son film le plus abouti. Dans un noir et blanc silencieux, Clark suit comme s’il faisait un documentaire de famille, ces gens qu’il photographie, avec une étonnante tranquillité, une sourde banalité.

Teenage Lust est dans la continuité directe de Tulsa, tout aussi agitée, révoltée, sombre et pourtant tintée d’éclats (cette photographie de chien devant une petite falaise, clin d’œil au travail qu’il faisait avec sa mère, cette bande de jeunes qui se roulent nus dans la boue…). Les corps se livrent, de plus en plus, sans réserve et Clark s’interroge comme dans ce diptyque qui présente d’un côté, un jeune garçon en érection, la tête baissée, contemplant son membre viril et de l’autre cette femme sans tête, offrant à tout œil et donc, à tout sexe, son vagin libéré.

Puis à l’horizontalité se substitue l’agencement, le désordre, le vertical. D’un côté des collages, part atypique et peu connue du travail de Clark où se croisent photographies de casting, trash, journaux ou vinyle. De l’autre, un grand échiquier de photographies d’un même garçon. On ne sait dans quel sens le lire, où commence ni où finit la composition. Ce qu’elle a de passionnant c’est qu’elle semble saisir les mouvements à l’infini, qu’elle donne cette impression de venir d’une pellicule. Comme si étaient affichées là, quelques unes des 24 images secondes d’un petit film. L’agencement donne la sensation du mouvement, Clark usant toute une série de pose pour saisir la moindre variation émotionnelle chez ce jeune protagoniste. A coup sûr, cette série marque la transition vers le cinéma, vers l’animé, vers une autre façon de capter cette jeunesse qu’il aime tant.

Les deux dernières séries le confirment. La première regroupe quelques photographies couleurs et grand format prises sur le tournage de Kids. On y reconnait évidemment le jeune Leo Fitzpatrick, héros du film. La seconde, occupant une salle entière, met en scène une autre figure de l’adolescence à laquelle Clark voue toute une série. Jonathan Velasquez, héros de Wassup Rockers, que Larry a suivi de 2003 à 2006, du gamin duveteux à la crinière blonde au jeune homme au regard perçant.

Changement de ton saisissant. A ce noir et blanc électrique est substituée une couleur vive et chatoyante, lumineuse et saturée. Le cadrage change, le format aussi. De grandes photos qui saisissent des corps qui grandissent, qui s’allongent, qui bougent. En témoigne cette trilogie où Jonathan Velasquez, nu, s’étire et déplace l’air qui l’entoure, symbole de cet état de transition, où les corps muent et expérimentent, où les âmes se forgent et, parfois, se déchirent.

SCORN- Refuse, Start Fires

J'ai eu une légère crainte quand j'ai compris comment était confectionné le nouvel album de Mick Harris. Après le départ de Bullen, Harris avait tenu les rênes seul, fièrement pendant 15 ans. Stealth avait enfoncé le clou quant au propos de Mick, puisqu'il signait l'album le plus brutal de sa production, bien plus dévastateur et tortionnaire que les disques de Napalm Death sur lesquels il a rigoureusement cogné, et bien plus perturbant que les plus sombres morceaux improvisés de Painkiller. L'ajout d'un batteur m'inquiétait car je pensais que la mixture aurait des allures de production anticon, c'est à dire vidant quelque peu la sève toxique des productions de Scorn, en les adoucissant. Le mixage electronique/ Batterie live n'a pas toujours fait bon ménage, donnant parfois un grain charmeur qui supporte mal le temps.
Le premier contact avec l'album est avant tout visuel: de mémoire, sans vérification, je crois que Mick Harris n'avait pas humanisé son univers visuel depuis Gyral. Aujourd'hui se dresse un homme peint, torse nu, couvert d'un casque qui lui couvre la moitié de son visage. Couplé au nom de l'album, l'heure est à la guerre chez Harris. Lorsque le disque joue les premières secondes, le doute s'envole: Harris reste sur la progression naturel qu'il a entamé depuis Greetings From birmingham, affinant sa formule tout en renforçant sa production. L'impression tenace, largement éloquente depuis le live sur VIVO, d'un traumatisme sonore venant fendre l'air ambient demeure, prend encore de l'ampleur ici. Chaque coup est une déflagration qui abime le climat sonore, et le fait un peu plus sombrer à chaque mesure. Harris est un homme teigneux, ses boites à rythme ne peuvent pas dire le contraire. Les basses sont toujours ces agressions mécaniques et chaudes qui ébouillantes l'oreille, tandis que derrière, comme chez ses nombreux camarades anglais, le son s'entasse, s'épaissit, composé de larsens, de sons accidentels, de drones, d'inquiétantes résonnances. Puis vient le second temps, celui de la collaboration avec le batteur, le même qui visiblement était un de ses proches du temps de Napalm Death et batteur de Meathook Seed, si je ne m'abuse. Bref, un grindeux. A eux deux, ils tissent une musique qu'on ne pensait jamais entendre de la part de Scorn, et pourtant totalement cohérente et légitime: du dub, du vrai. Harris n'a jamais caché son admiration pour le reggae et le dub, mais la filiation n'était pas des plus évidente (même si réelle). Harris se livre donc à l'exercice, et en sort d'importantes plages d'un dub massif, sombre, malade. Harris s'avère un magistrale producteur, il sait mettre en évidence un jeu lourd mais aéré, l'articule à merveille avec ses machines et ses basses. La dynamique de l'album est est exemplaire. Et la mixture fait effet: Harris signe un album d'une noirceur éreintante mais remarquable. Opressant, l'album ne permet le repos, créée une tension permanente qui met en alerte. Les passages plus soutenues rythmiquement prennent du corps, constrastant avec la sérénité malsaine importé par la présence d'un réel batteur. Harris est arrivé à surpasser sa production précédente, en atteignant ce qui semble être, à nouveau, un paroxysme cr'éatif éblouissant, tout en proposant un album noir, méchant, troublant, faisant passé bien des tentatives similaires pour des jeux de fillettes.

SEEFEEL- Faults

Je pourrais passer pour un fan transit et aveugle de Seefeel pour mériter les louanges de ce 10" comme je m'apprete à le faire, mais en fait je n'en ai pas grand chose à faire: Seefeel, c'est pas franchement une grande histoire d'amour chez moi, je croise le nom du groupe dans les bacs à disques depuis plus de 10 ans sans jamais m'être poser la moindre question à ce sujet. Je ne vénère pas ce groupe de façon incompréhensible depuis une éternité, et son split était jusque là inconnue de mes services. Pourtant, il y a finalement un élément qui m'a intrigué, à savoir la présence de deux japonais au sein du groupe reformé pour les 20 ans de Warp, et surtout la présence d'un des premiers batteurs des Boredoms. Warp+Boredoms= me voilà en quête d'informations. Je pourrais raconter comment je me passe en boucle depuis la musique de cette formation y trouvant un monolithe sonore fascinant, mais je resterais sur ce 10" de la résurrection. Seefeel opère dans ce qui semble être aujorud'hui une musique qui semble se réconcilier avec le son et les intentions plus organiques de ses premiers disques, moins porter sur les errances digitales de ces dernières sorties pré-split. Les orgues et synthés sont de lointains échos qui tentent de percer le rythme, la basse, ultra imposant sur les deux premiers morceaux. Le patron du groupe adécidé d'amplifier sévèrement le bas du spectre, et l'a fourni d'épais claviers qui rappelleront les lignes dubstep, wooble sauvages. Le batteur des Boredoms apposent de lentes et régulières rythmiques, étrangement mécaniques, avec un son homogène entre les différentes compos. C'est d'ailleurs ce qui s'avère presque comme une marque de fabrique pour mes oreilles novices: Seefeel est un groupe de rock qui sonne comme un projet 100% electroniques. Juste quelques voix se distinguent, celle de la madame, et me rappel de façon assez inexpliqué Clouddead. L'autre face comprend deux morceaux moins certain, plus flottants, qui s'imprègnent plus du climat des anciens disques du groupe. Un retour très attendu par les fans, apprécié dans mes oreilles, et qui fait attendre un album qui devrait suivre, début février.

Le coup du parapluie – Philosophie, bien être et crimes passionnels

Les grands cons avec un parapluie blanc. Philosophie, bien être et crimes passionnels n'est pas le nouveau Woody allen, c'est un acte de décès de tout un penchant de la scène rock. Le coup du parapluie se porte bien, font ça en famille, et développent une ambiance atypique. Un peu à l'image d'un film qui ne voudrait pas dire grand chose, portant un message sérieux derrière des élucubrations d'un acteur un peu niais et peu charismatique. Un film de Woody Allen qui vaudrait la peine d'être vu en somme. Vous me direz que cela n'existe pas. Il fut un temps où Woody Allen avait son ambiance, et si ses dialogues où la portée de ses films n'étaient pas phénoménales, il existe certaines de ses œuvres qui peuvent être visionnées du début à la fin.

Le coup du parapluie serait un excellent film de Woody Allen. Un film que l'on n'aurait aucune envie de voir, qui nous parlerait choucroute quand on aurait envie d'un thé, mais un film qui aurait quelque chose d'historique. Une ambiance qui tisse sa toile au fil de morceaux consistants et qui nous amène à un endroit qui était prévu d'avance. Pas de syncope rythmique pour le plaisir de la démonstration ici, le coup du parapluie fait dans la finesse. On ne parle pas non plus d'arpèges cristallins lisses qui se rencontrent au bout d'une dizaine de minutes pour terminer un disque chiant comme la mort. Issu du punk, du post rock (les héritiers de Bastärd, à comprendre zëro, Marvin, binaire et un peu tout ça à la fois, assommés par une version noise métallisés comme si Unsane avait pondu des œufs). LCDP est un mammouth qui rencontre la progression intelligente d'un noise rock redécoré en version 2.0. Un raffinement dans l'assaut, avec une propension à toujours garder de l'humour et d e la distance, même quand l'ambiance se fait pesante (Colonel Mustard with an AK47 in the library). Un disque digeste tout autant qu'il est complet, avec ses morceaux de bravoure :le loup dans la bergerie et la chasse à la baleine, deux morceaux lorgnant vers la dizaine de minute à la structure dyslexique mais littéraire. Un disque aux confluents de plusieurs scènes en déclin, une sorte de synthèse de la scène punk moderne, un post hardcore qui aurait comme parent l'écurie dischord, un noise rock qui aurait coupé la queue au lézard, un post rock qui aurait fumé des cigares avec la scène française et quelques excursions en virée métalliques progressives qui permettent de lier le tout. Pourtant le ragoût est ragoutant (production impeccable aidant), et on sent que l'on tient un objet qui a quelque chose d'historique et qui met un point final à une époque qui semble en passe de se terminer. Et comme ils le disent eux même, ''there are no accidents''. (Myspace)

La chronique de Stockton: Crippled Black Phoenix & Godflesh

Chers tous, chers toutes. Voici un autre nouveau chroniqueur, en mode mercenaire, comme Big Ad, Machou, A. Laffillé (Noise mag), JJ, Gugo et j'en oublie avant lui. Sauf que celui-cisera régulier, mais de par son caractère sauvagement indépendant, refuse d'avoir un compte chez nous. Chaque fin de semaine, il pense pouvoir ne pas tenir la promesse d'un billet. Mesdames et messieurs, bienvenue à Stockton.

Une expérience à faire dans une vie, absolument, c'est de se rendre à un concert de métal. Une expérience unique, qui prend des allures de safari quand il est temps de se plonger dans la pénombre d'une salle de concert et dans sa fosse, rempli d'énergumènes qu'on ne croise nulle part ailleurs, si ce n'est parfois à l'oeuf cube, et dans les salons dédiées à la consommation crasse d'alcool à base de houblon à Munich, par exemple. En plur de chérir le diable d'une manière qui relève plus du TOC que d'un réel dévouement religieux, puisque la moindre occasion est prétexte à symboliser la tête du malin orné de ses cornes, l'homme composant cette faune est aussi un cas social fascinant. Le premier point qui en fait effectivement un être passionnant à étudier, est sa forte tendance à rejeter la mode tout en cherchant continuellement à s'inscrire dans un visuel ambiant prédéfini de multiples codes. Il niera s'impliquer dans son look, mais sa tendance à collectionner les t-shirts noirs à l'effigie d'un orchestre est un élément qui trahit l'absence évidente de je-m-en-foutisme stylistique, sans parler de son amour pour sa toison capillaire surdéveloppée, de ses chaussures lui étouffant le pied ou totalement agonisantes, et d'autres encore. L'autre point qui mérite investigation, c'est la proportion de cette faune à monter des groupes de métal, comme s'investissant davantage que bien d'autres cercles musicaux dans l'accomplissement personnel d'une passion vers une réalisation. Lecteur, tendras-tu l'oreille lors de ton prochain déplacement pour entendre le nombre d'échanges commençant par "et alors, vous en êtes où? Vous enregistrez en ce moment?" ? Si tu ne l'avais prévu, je te donne là un précieux conseil qui animera ta morose soirée, car un concert de métal est forcément un truc morose, sans parler des horaires de concert (19h30-23h00) qui tend bien à démystifier l'opulence réelle de vampire dans ce milieu.

C'est donc toujours armé d'une patience certaine et aussi d'une envie farouche qu'un déplacement en concert métal s'organise, du moins pour ma part. Je déambulais donc prudent dans le Batofar, cette fin d'après midi d'automne 2005 pour voir Electric Wizard, groupe culte de la scène doom anglaise, éponger avec sévérité la cire si particulière qui se forme dans les plus gourmandes oreilles à coup de larsens et de riffs tous plus imprégnées de fumée verte les uns que les autres. Bref, cette soirée, au milieu du public hallucinant de balanceur frénétique de toisons odorantes aux fumets les plus délectables m'a permis de me rendre compte que le sorcier électrique était composé de penseurs fort impressionnants (cf. l'entretien accordée à Versus à l'époque " l'essence du sorcier ce sont les drogues et la magie noir!" Ok Jus, Dongeon & Dragon vont te sponsoriser!) mais était à cette époque surtout rythmiquement mené par le bucheron anglais le plus remarquable du royaume: Justin Greaves, qui avait déjà frappé de la peau de chèvre chez Teeth Of the Lion Rules the Divine, Iron Monkey, entre autres. Bon, ce billet prend déjà de la place, je sens des absences, et je n'ai même pas commencer à parler des disques.

Tout ça donc pour dire qu'un jour je me demande, "Tiens, qu'est ce qu'il devient ce bon vieux Justin Greaves ?" après avoir remarqué que l'anglais avait disparu de mes radars. Stupéfaction, il joue ce que j'ai longtemps pris, à tort, pour un de ces groupes qui inondent les bacs à doom des détaillants de rondelles sans grande originalité. Erreur puisque ce n'est pas franchement de doom dont il s'agit, mais plutôt d'un rock stellaire Pink Floydien, aux effluves folk et aux abord de "post rock", lent et qui prend son temps pour se développer. Et le résultat de ce I, VIGILANTE est pas dégueu en bouche, et la digestion se fait sans grande difficulté. On se sent presque au milieu d'une troupe de hippies modernes, passionnés par les 70's mais aussi Coil- même si je pense que ce jugement est faussé par le fait qu'un des gars porte un t-shirt du groupe sur les photos de leur myspace, ma curiosité m'ayant poussé jusque là. Des tas de groupes devraient soient prendre une leçon en écoutant religieusement ce disque/groupe, soit en tiré les conclusions: étirer sa musique jusqu'à l'asphyxie n

'est pas une solution envisageable lorsque l'on est piètre musicien. Ou alors, avoir au moins un minimum d'idée. Greaves, à la guitare, sait manier les registres et se donne les moyens avec CBP de produire une musique qui a un minimum de gueule, qui ne se pisse pas dessus à cause d'une médiocrité d'ensemble due à un manque d'inspiration éreintant.

Sur la pile de disques aussi cette semaine, Godflesh, les apôtres détestés du métal industriel (cf. le nombre d'interview où Broadrick explique que personne ne comprenait sa musique) mais également le roi mage qui en à un peu raz le cul qu'on lui parle de son passé (cf. le nombre d' interviews de Broadrick où il remercie les journaleux qui ne lui posent aucune question sur la chaire divine). Pourtant, en lisant ce qu'il raconte ces derniers temps quant à la reformartion du duo, il semble en avoir des choses à communiquer et y met un certain intérêt. Du coup, Earache, pas les derniers quand c'est l'heure de se remplir les poches a flairé le bon coup et sort une nouvelle version double CD de Streetcleaner. Le label anglais, on le sait, réédite massivement ces fiertés passées mais cette fois-ci, Broadrick pourtant en froid avec le label a capitulé et s'est occupé du son et du tracklisting de ce double disque. Le son est remarquablement augmenté et la lourdeur d'origine reprend ses droits, un peu à l'étroit face à l'évolution des productions depuis 89. Un beau double digipack emballe ces deux CD donc, avec un premier réhaussé mais inchangé au delà de ça, et un second, qui compile démos de l'album, live des temps jadis, enregistrement de répétitions amènent à peu de choses près à la même conclusion qu'avec Crippled Black Phoenix: pas mal de jeunes gens devraient en prendre de la graine et revendre leur matériel ou passer à autre chose, dans un contexte toutefois très différent. C'est aussi l'occasion de maintenir que si Broadrick ne semble définitivement pas fait pour être sur scène, il reste 20 piges plus tard, un extraordinaire producteur de disques... faisant presque oublier les calamiteuses prestations lives de ces différentes formations.

BASQUIAT: THE RADIANT CHILD

Soit je deviens définitivement vieux avant l'heure, soit je deviens une sorte de bobo parisien qui ne s'en donne pas les moyens, toujours est-il que j'ai franchi le cap que je ne pensais jamais franchir: aller au cinéma, payer la rançon quémander au guichet, et aller voir un documentaire. Alors Bobo? Pas vraiment parce que Basquiat, le personnage, m'amuse plus que Basquiat, le mec qui a dessiné une poignée de croutes surestimées dans les années 80. Pire encore, je connaissais le bonhomme avant que la capitale de la France (Paris, c'est bien, y'en a qui suivent) soit totalement recouverte d'affiches vantant l'exposition au Palais de Tokyo. Parait-il qu'au vernissage, il fallait faire 2 heures de queue pour rentrer, tout ça pour probablement entendre des conneries de pouffiasses délurées type "on sent bien la dépersonnalisation de l'artiste dans cette toile" entre deux étudiants aux beaux-arts faire des rapprochements douteux avec l'iconographie d'une chaine de meuble suédois. Pour preuve, nous avions déjà parlé de Downtown 81, avec ce bon vieux Jean-Michel. Enfin, certainement pas bobo quand une autre des raisons qui m'ont poussé à aller voir ce doc, c'est que la réalisatrice s'appelle Tamra Davis, réalisatrice du seul nanard ayant eu l'immense honneur d'afficher Britney au casting, présentatrice d'une émission de bouffe vegan sur le web et accessoirement, Madame Michael Diamond, la seule et réelle raison qui fait que je n'ignore pas son existence. Et que fait madame "D" quand elle ne signe pas son émission dans son loft new yorkais? Elle exhume des vidéos de son feu pote jean-Michel, fait faire la musique à son mari et à son pote Horovitz, assemble des bouts de vidéos, de portraits, et d'interviews de gens ayant gravité dans la grosse pomme au début des années 80 et sort un film. The Radiant Child retrace le portrait et la vie de Basquiat, artiste emblématique et à la carrière éclair du New York des années 80. Emblématique parce que sa peinture était à l'image même de l'effervescence artistique qui sillonna la ville à cette époque, où tout devint permis, où les codes étaient détruits dans la peinture et dans la musique. D'ailleurs, Downtown 81, qui me semble être le complément parfait au documentaire, retraçait au mieux cette impression de par la présence de DNA, entre autre, au casting. Le chaos, l'absence d'esthétique évidente comme nouvel ordre. On y apprend entre autre que SAMO était un piètre joueur de clarinette qui s'essaya pourtant à la musique via un groupe (avec Vincent Gallo, alors danseur dans un posse hip hop). Faut-il y voir un lien avec la qualité de ses représentations graphiques?

C'est une des vraies questions qui sous tendent le film, si l'on arrive à s'extirper de la fascination de l'oeuvre de l'homme (car c'est simple soit on aime, soit on déteste, mais à 10€ la place, on aime!) et que l'on prend le recul nécessaire. Basquiat avait-il du talent? Si le film ne semble pas poser la question de manière ouverte, et que je me garderais bien de répondre, il semble que le documentaire pose néanmoins des clés pour comprendre. A l'évidence, Basquiat connaissait ses propres limites, et s'est acharné à travailler le plus possible, de façon continue et passionnée. Si la qualité intrinsèque de son oeuvre reste discutable, l'investissement du personnage dans son travail apparait comme la preuve absolu que l'homme n'était pas qu'un glandeur opportuniste mais dévoué et rigoureux. Quelques document le montrant à l'oeuvre ont pourtant tendance à simplement montrer un gamin avec des gros pinceaux faire des traits abscons et jouer avec la matière plus qu'autre chose. Pourtant, Basquiat avait des idées, et savait parfaitement ce que l'on pouvait percevoir de son travail. Dans le film, un entretien est reproduit où le "Radiant Child" explique qu'aucun trait n'est due au hasard, que tout est parfaitement à sa place et murement réfléchi, comme un justification pour ceux qui ne comprendraient pas, mais aussi une sorte de dédouanement sans faille pour l'artiste. Toujours est-il que les toiles de sa toute dernière exposition, obsédé par la mort de Warhol, ou même ses croquis d'enfants passioné d'anatomie trahissent un réel sens du dessin, un vrai coup de crayon.

Le film de Davis est donc une collecte passionnante de docs, faisant dans la globalité un métrage au charme certain, dont les protagonistes (Des amis proches, Thurston Moore de Sonic Youth répond à une paire de questions...) viennent dresser un portrait idéal du jeune homme, et qui à mon sens, éclaire un peu mieux sur le talent de l'homme, sans que le propos de base ne fut celui-ci. Avec Downtown 81, voilà une bonne raison d'oublier le film au casting pourtant impressionnant (Defoe, Walken, Hopper, Del Toro, Courtney Love...) sorti en 96 qui ridiculisait Bowie en lui faisant porter la coupe de Warhol.

Offshore - Aneurysm EP

Nouvelle sortie chez Big Dada que cet ep d'Offshore, qui nous offre quatre titres dans une veine assez différente de ses compagnons de label. Offshore s'intéresse à l'aspect instrumental et au phrasé mélodique de son hip hop dans une version assez onirique des musiques électroniques rythmées. La programmation des beats est assez variée et nous propose des sur-couches de sons qui se font écho les unes aux autres. Un quart d'heure qui commence par un Aneurysm ravageur où le beat très gangsta laisse vivre une lourde nappe qui se décline peu à peu en quantités de notes de synthés plus aigus. Offshore nous rappelle d'ailleurs Lorn sur ce morceau dans sa façon d'allier lourdeur et mélodies. Samples guillerets se rajoutent par dessus (il n'y a que moi qui entends l'ouverture de Skype à plusieurs moments?) pour finaliser un morceau solide. Hiccup entame plus directement des jeux rythmiques où offshore semble se chercher un peu plus, du moins dans son choix de kit. On a à faire à un mini laboratoire qui énumère les sons, étudie les variations et au milieu nous offre de jolis instants d'inspiration. On sent qu'il se passe quelque chose: une relecture des influences, un jeu de pistes avec la machine, une production encore un peu trop timide, mais surtout une création musicale qui semble être débordante. Espérons qu'Offshore fasse son bonhomme de chemin pour éviter l'écueil des featurings hasardeux sur longue durée ou polisse ses mélopées au fort potentiel émotionnel. De jolis instants en perspective. (Big Dada)

Kaboom de Gregg Araki

Gregg Araki est, hélas, un réalisateur dont l’œuvre, dans le sens exhaustif du terme, reste encore trop marginalement connue. Kaboom, une des rares véritables sensations du festival de Cannes jouit ainsi d’une distribution plus que modeste (44 salles seulement) malgré la qualité phénoménale de cette belle besogne. On se consolera en consumant jusqu’à l’extase un film qui jouit par tous ses pores, sans réserve et sans aucun complexe.

Araki est un récidiviste. Il est l’un des derniers réalisateurs pop (avec Todd Haynes et John Cameron Mitchell) dans un cinéma qu’on trouve souvent triste, qui manque de couleurs, de folie, de singularité. Lui a toujours fait l’inverse et depuis bien longtemps. Déjà dans Totally Fucked Up, premier volet de sa trilogie adolescente entamée en 1993, il imposait une patte de dialoguiste hors paire et croquait avec une justesse incroyable une bande d’ados homosexuels un peu perdue et marginalisée.

Toutefois, Totally Fucked Up était encore relativement sage, épousant plus la forme d’une chronique presque documentaire à certains instants. C’est véritablement avec The Doom Generation et Nowhere que tout fout le camp. Le premier est un road movie sanglant mettant en scène James Duval et Rose McGowan dans une Amérique qui cache sous son puritanisme apparent de belles largesses et de sacrées perversions. Le second est un teenage movie délirant où le même James Duval s’interroge sur le sens de sa vie de lycéen paumé dans un Los Angeles où tout le monde est un marginal, à la recherche d’une pureté qui semble fuir tous ceux qui l’entourent.

Kaboom s’inscrit dans la digne lignée de cette trilogie adolescente. Smith (interprété par l’excellent Thomas Dekker) est un lycéen comme les autres qui fonce sur ses 19 ans, toujours un plan cul sous la main (que ce soit une fille ou un garçon) mais qui ne rechignerait pas à se trouver l’âme sœur. Seulement quelque chose se trame dans les travées du lycée ; un groupuscule aux intentions louches, une sorcière nymphomane et un rêve récurent qui dit tout en pointillés. Le pauvre Smith va se retrouver empêtré dans une machination qui le dépasse et le changement qu’il pressent va arriver plus vite que prévu.

On retrouve dans ce dernier long métrage, le nihilisme jouisseur de Nowhere. Il faut dire qu’Araki n’y va pas avec le dos de la cuillère niveau cul. Ni avec le nihilisme d’ailleurs ; l’Etat, la police, ses amis, ses parents. Le monde entier semble faire parti de cet incroyable complot qui se monte autour de lui. Une sorte de tragédie grecque, à la géniale absurdité, résolue dans une course poursuite en voiture complètement barrée et jubilatoire.

Si Araki donne cette impression de nonchalance durant toute la première partie du film, il n’en pose pas moins les jalons essentiels à son dénouement excentrique. Un rêve, une porte noire derrière laquelle se cache une réponse… Une intrigue sous-jacente d’inspiration lynchéenne (pas mal de choses rappel Twin Peaks, dont cette introduction onirique) qui garde éveillé l’instinct d’enquêteur d’un spectateur qui pensait n’avoir qu’à éjaculer durant 1h30.

Malin le Gregg. Et toujours aussi inspiré, notamment dans le recyclage. Le terme est peut-être mal choisi mais il reflète bien l’application avec laquelle Araki fait des choses formidables avec d’autres choses qu’il a testées sur d’autres films. L’introduction, si elle rappelle Twin Peaks, n’est pas non plus sans évoquer Mysterious Skin, les fondus rappel Smiley Face, l’esprit, je l’ai déjà dit, nous fait revenir au temps de Nowhere tandis que les apparitions de James Duval nous évoquent toute une trilogie. Comme quoi on peut être un génial récupérateur de ses propres idées sans tomber pour autant dans la mégalomanie.

Car Araki est loin d’être dans l’autosatisfaction. Il saisit à nouveau avec perfection les envies et les instincts d’une génération qui n’est pourtant plus la sienne. Dans le fond, Kaboom résume à lui seul cette incompréhension des enjeux d’un monde qui nous écrase et dont on ne peut s’extraire, ce besoin de faire du sexe pour partager, pour rompre l’isolement, pour se retrouver dans quelque chose de simple, de primitif, de presque animal. Pour ne plus être un au milieu du monde mais pour être le monde, à plusieurs.

KOUHEI MATSUNAGA, MIKA VAINIO & SEAN BOOTH-Telepathics Meh In-Sect Connection

Pour ceux qui sont intéressés par les trois bonshommes, c'est une période intéressante: 2 disques d'Autechre cette année, un Pan Sonic magistrale, et au moins un véritable album de Kouhei Matsunaga. Ce qui, ajouté à cette nouvelle étape dans la discographie des trois, nous amène à quelques heures d'écoutes et de fouilles auditives sans fins. On aurait pu penser que les 3 là, en se croisant sur disque, allaient trouver un terrain d'entente cordial autour de leur marque de fabrique, et orienter le tout vers le rythme déstructuré et la distortion crasse et crépitante. Ils ont choisi une autre option, qui n'est pourtant pas illogique. Booth d'Autechre se retrouve à prolonger l'expérience du split Ae/ Hafler Trio, tandis qu'on est finalement moins surpris par l'approche de Vainio et Koyxen. Si tout est limpide dans mon esprit, il semble que tout cela ait été enregistré en "live" alors que les sorciers soniques n'étaient pas physiquement au même endroit. Concept fumeux permettant d'offrir à ce genre de disque le cachet d'originalité conceptuelle obligatoire. Les 3 morceaux (une collaboration des 3, et deux morceaux où Kouhei est le point commun, puisque tout ceci semble s'inscrire dans un cycle qui lui est "dédié" chez Important) s'apparentent soit à du pure génie contemplatif pour admirateurs de craquements ésotériquement mécaniques (cf. Coil vs Elph), soit à du pure foutage de gueule. Le trio s'aventure dans l'exploration glaciale du micro intervalle, du son le plus insoupçonnable, le plus absent, le plus fantomatique. Pas de structures ou de construction. Juste des collisions de sons à peine audible, où le grésillement des circuits fait plus de bruits que les ébullitions cristallines des oscillateurs. L'impression, dans ce déluge chaotique du silence, d'assister à l'effondrement du palais des glaces des insectes. Aussi étrange que la pochette, aussi égaré et égarant que le regard siamois de cette banane.

TRICKY-Mixed race

Pour une fois, l’énorme webzine anglo saxon qui fait la pluie et le beau temps et qui porte le même nom qu’un ep de Clutch, pour ne pas le nommer, n’a pas tort : il est dur, très dur même d’être un admirateur de Tricky en 2010. Car, en effet, le kid sait exactement ce qui marche dans sa musique aujourd’hui, dans le sens qualitatif, et s’acharne à réaliser des morceaux dans ce qu’il n’est que médiocrement capable d’exécuter. Aussi, si Tricky est aujourd’hui plus une sorte de souvenir lointain pour lequel on a un peu d’indulgence depuis 99 (la même qui fait que chaque sortie voit son lot de chroniques positives, et je ne m’exclus pas du lot), les coups de génie se font rare dans cette terre aride que l’on appelle « discographie d’Adrian Thaws ». Un soupçon d’honnêteté nous fera sauver, quelques morceaux de blowback, quelques secondes de Vulnerable, et une bonne moitié des morceaux de Knowle West Boy, l’album logique du retour. Avec un coup de chance, ce Mixed Race est une fin de cycle, comme Juxtapoze clôturait le précédent. Un indice? non, une idée, comme ça, en se basant sur le fait que Juxtapoze était un album de feignasse totale, avec ses 30 pauvres minutes, venant clôturer un triptyque qui 12 ans plus tard laisse encore des traces dans les oreilles des profanes. Oui, Mixed Race fait moins de 30 minutes. Alors comment affirmer qu’il sait exactement ce qui marche? parce que Tricky s’acharne, sur scène, à ne pas reproduire ses derniers disques, mais plutôt à offrir des relectures de ses morceaux, si possible des plus vieux, et même des plus récents, en les défigurant, ne laissant qu’un squelette méconnaissable et torturé par sa fascination pour le blues et le bruit (exception faite de la tournée de 2003 ressemblant plus à un mauvais pop-tour). (d’ailleurs, comment prendre au sérieux les déclarations du monsieur qui affirme que Blowback est son meilleur album alors qu’il n’en joue qu’un morceau, une reprise, en live ?). Tricky revendique de ne pas s'impliquer vraiment dans ses disques, et cela s'entend.

Bref, de quoi est fait ce Mixed Race ? La bonne nouvelle, et on le sait depuis Knowle West Boy, c’est que Mr Thaws sait à nouveau produire sa musique, qu’il sait faire sonner une batterie, qu’il sait imposer une basse qui va dans les basses, et donner un peu de relief. Le plastique fondu de Vulnerable ne laissait pas ceci pour évident. Pour ne pas changer, Thaws se panne quand il tente une reprise qui ressemble à ce qu’a pu faire de pire Daft Punk, mais relève la barre avec un reggae plutôt sympathique et bien accompli. Le troisième morceau fait presque croire au miracle: une batterie pas si évidente, et un climat brumeux se pointe, mais l'essai est bien court et le soin du tout donne l'impression d'un nearly god hyperglycémique. Il y a même un passage presque dance, avant un grime boiteux final qui est presque là bienvenue.

En fait, Tricky me semble aujourd'hui incarner une sorte d'entité musicale qui ravit les programmateurs radios, fiers de proposer autre chose que Raphaël, qui se sentent mélomanes, et qui trouve son public chez la ménagère de moins de 50 ans. Vous vous rappelez, vous, les trentenaires, de vos parents quand vous étiez gamin? Ils écoutaient un peu les Pink Floyd, un peu Genesis, ce genre de trucs, mais plus parce que c'était de l'acquis culturel qu'autre chose. Un jour, Genesis a été un bon groupe. Et le succès commercial enterra le succès d'estime. Quand vous regardiez Casimir, votre mère écoutait Phil Collins chanter Mama. Les enfants regardent Dora pendant que maman écoute Tricky chanter Murder Weapon.

Swans - My Father will guide me up a rope to the sky

Un titre d'album à rallonge, un retour inattendu et un line up complétement éclaté. Voila ce qui marque la sortie de ce disque. On imaginait une tournée des swans en forme de piqure de rappel sur la scène industrielle au sens large, avec quelques dates inédites et un fond bien amical. C'est un vrai retour qu'ils nous pondent, avec pas mal de dates et surtout de nouveaux morceaux. Jarboe n'est pas là, et ça n'est pas grave. Elle était la partie angélique de la musique des swans, l'exact opposé de la folie contenue de Michael Gira. Elle posait sa voix aigre douce sur les rythmiques tribales que nous tissaient ted parsons. Maintenant les roles sont inversés. Elle se veut démon dans des disques toujours plus pompeux et Michael Gira s'en est allé vers la lumière avec ses potes hippies d'Angels of light pour faire de la folk vaguement bluesy. Les swans n'ont jamais été Jarboe, ni Parsons (d'ailleurs Soundtracks for the blind voyait son absence), ni Gira. Les swans c'était un peu la rencontre de tous ces mondes qui fonctionnaient en alchimie avec une propension à l'évolution et à la remise en cause de leur propre style. L'intérêt d'un retour discographique en 2010? Personne ne le saura jamais. Et à en juger par la qualité intrinsèque de la livraison, quelque chose est parti en route. Peut être l'identité même des Swans, qui se fixait des défis sur chaque sortie pour renouveller leur propre son, expérimenter, triturer leurs idées pour aller plus loin. Adoucir leur son certes, mais au profit d'un plus grand acharnement rythmique, dans un souci d'accoler diverses influences inédites.
Ce nouveau Swans n'est pas mauvais en soi. C'est d'ailleurs le meilleur album de Michael Gira depuis l'épitaphe qu'était Soundtracks for the blind. D'angels of light il a gardé la majorité de l'architecture sonore ou éthique. La preuve avec ce line up remanié en majorité (bien que des vieux soient encore là, on est d'accord), ces invités de la famille Young gods records, notamment ce bobo de Devendra Banhart qui n'aurait pas dépareillé sur un album des angels of light. Simplement, les swans n'étaient pas un projet récréatif, et le laboratoire d'expérimentation à la force mystique magique se retrouve ici transformé en une vieille mine ouverte au public pour visite. Gira nous fait revisiter son musée Swans, en y insérant suffisamment de rythmique tribale qui cogne (la magique introduction No Words/no Thoughts, ou encore Inside Madeline) ou de distorsions vengeresse (eden prison) pour justifier l'exhumation de ce projet sacré. Certes, la totalité n'est pas à jeter, mais trois vrais morceaux des swans dont un de 10 minutes sur trois petits quarts d'heure pour justifier un album, c'est bien peu. En espérant que le concert de novembre sera plus consistant en vieilleries, pour que réellement le maitre de cérémonie nous commande la transe tant attendue. (Young gods records)

Brian McBride - The Effective Disconnect

Brian McBride est une moitié de Stars of the Lid. Il participe ici à un projet de bande originale pour un documentaire sur les abeilles. Un documentaire bobo en apparence, écolo moralisateur (qui serait pourtant pas mal fait), nommé The Vanishing of the bees. Vous pourrez trouver plus d'information et un trailer là bas. Ce qui nous interesse ici c'est la piste audio qui, selon les dires de Mcbride, est amputée dans la version disque. Il y a donc plus à écouter dans les salles que sur le disque. On imagine qu'un souci de cohérence discographique était de guise pour ce forcené de travail, et que le support audio pour le film prend une toute autre ampleur avec les images. McBride fait quasiment tout tout seul et essaye d'aborder le processus de composition de manière différente qu'avec Stars of the lids. Certes les chemins et les influences balayées se font écho, et Brian mcbride en solo a quelque chose de Stars of the lid, dans cette ambiant néo classique trés grandiloquente et orchestrale. Mais pas que. McBride essaie de structurer son récit musical selon différents mouvements pour accentuer le côté classique de sa musique. Le support des cordes se fait trés présent et sert de base pour la construction de phrasés mélodiques salvateurs. Quelque chose de grave habite ces bribes de piano glaçantes, ces envolées lyriques des instruments à vent, ou encore ces échos lointains qui fourmillent. L'ambiant de Mcbride se fait parcimonieuse et délicate, mais reste immédiate du début à la fin. L'aspect visuel de la musique est largement tronqué pour son aspect apaisant et sensitif. Stars of the lid est un projet fascinant par la façon personnelle d'aborder leurs sonorités. The Effective disconect est une échappée lyrique d'une de ses têtes pensantes, qui à l'arrivée est aussi doux que les Nocturnes de Chopin, avec un souffle mélancolique. (Kranky Records)

Horse Gives birth to fly - Ouroboros

La musique d'Horse gives birth to fly est vivante. Ses lentes processions sont autant d'incantations d'un insecte humanoïde, d'un humain insectoïde, d'une divinité ancestrale. Comme millénaire et longtemps congestionnée, elle devient avec Ouroboros un nouveau talisman religieux, le renouveau, ou l'avènement d'une nouvelle ère. Ses deux longues pistes sont des paysages désolés dans lequel cette divinité se glisse langoureusement. Le serpent du péché originel contemple avec ses propres yeux les paysages écrasés du son d'Horse gives birth to a fly. Rampant au rythme décharné d'une nappe imposante, il s'élève peu à peu au dessus des éléments qui se déchainent ou au contraire s'évaporent. Ces lourdes complaintes sont pluvieuse et orageuse, mais aussi lunaire et cosmiques. A l'instar de l'effet live que peut procurer Inade, ou encore de la lourdeur nauséabonde d'une nature vivante que nous peint Kammarheit, Ouroboros est un diptyque visuel touchant. L'impact des sons atteint tous les sens. HGBTF est une synesthésie traumatique. Les assauts que sont les deux morceaux (plus un remix par un des membres lui même, Micca l'artiste chargé des visuels en occurrence) sont des coupures temporelles. Shoshone et son instrumentation grandiloquente sont une dévolution d'un instantané figé vers une accalmie des sens. L'aspiration mystique d'Ouroboros remplace l'agression à l'état brut par la lente digression des glitchs de lady white snake. L'électronique pure et malsaine combat avec les forces déchainées des éléments. Man Versus Wild, ou pire encore, la création de l'homme combat contre son environnement. Tel un film apocalyptique, peu à peu les visions d'horreur de la nature qui reprend son leg alternent aux visions épileptiques de chamans cybernétiques cognant sur des gongs tibétains. Se perdent dans le brouhaha de la discorde les chœurs des moines aspirés peu à peu vers le néant. L'ouroboros est en fait une spirale qui crisse et avale tout sur son passage. Un peu à l'image de Coil sur How to destroy angels les terrifiantes visions d'ouroboros canalisent une énergie incantatoire dévastatrice. Le final décline une conclusion vrombissante, comme si les chevaux s'étaient bien fait mouches et que l'humain avait définitivement perdu sa place sur son morceau de terre pour évoluer dans le néant intersidéral. La messe est dite et ce remix terminal n'est qu'un épilogue qui ouvre la porte à la suite de cette aventure profondément inhumaine. On imagine leurs prestations live comme de longues messes douloureuses qui ouvrent une brèche vers une expérience sonique purement physique. Comme le texte de ce joli artwork, (limité à 60 exemplaires, avec un texte différent dans chacun, qui forme un tout) le signifie : ''Enchantement ce qui est piège, collet'' . Long live the new flesh. (Lien Myspace, Site Web graphique de Miccam)

Les amours imaginaires de Xavier Dolan

Il existe ici bas, nombre de réalisateurs (ou d’acteurs) énervants. Certains aiment (à tord ou à raison, là n’est pas tout à fait la question) déblatérer sans fin sur Schumacher ou Bay, consacrant l’inanité de leurs films aux idéaux muets, oubliant peut-être qu’à défaut d’être de prolixes philosophes, ils sont de brillants techniciens. Il y a ceux qui s’insurgent contre le cinéma d’auteurs, contre ces réalisateurs qui sentent les archives, la naphtaline et la Nouvelle Vague. Et puis il y a ceux qui s’indignent de la suffisance et de l’égotisme de certains individus qui, persuadés (ou peut-être même convaincus) d’avoir du talent, s’affaissent dans ce que le critique appelle la vanité ou la prétention.

Pour certains, Xavier Dolan est énervant. Enervant car à 21 ans il a déjà réalisé deux films. Enervant car son premier long, J’ai tué ma mère, a connu un grand succès critique et a notamment été récompensé à Cannes. Enervant enfin car le jeune homme donne cette froide image de l’autosatisfaction créatrice, celle d’un jeune homme au génie sans pareil qui aurait réinventé le cinéma à lui tout seul. Plus que son talent certain, c’est donc bien son « orgueil imaginaire » qui enquiquine le spectateur français (qui, bercé par les Bresson, les Rohmer, les Chabrol et les Godard, n’apprécie pas le trop plein d’esbroufes et ne comprend pas le besoin qu’on peut avoir à chercher des esthétiques un brin chichiteuses).

Anne Diatkine, "critique" au magasine "Elle" écrivait que pour quiconque connaît le cinéma depuis plus de 20 ans, le film de Dolan n’avait rien de novateur. Simplement parce que le jeune québécois, certainement trop bercé par ses idoles, de Wong Kar-Wai à Almodovar, leur emprunte trop ou plutôt, leur rend trop hommage, si bien que l’hommage, au lieu d’être le témoignage de sa modestie, apparaît comme le pompeux aveu de sa prétention.

Xavier Dolan abuse de ces ralentis contemplatifs qui, pourtant, figent parfois avec brio le temps éternel de l’amour et toutes les méandreuses alcôves de l’insatisfaction et de la frustration. Il déçoit avec ses raccords de plans parfois douteux et peu esthétiques (un comble !). Il énerve avec ses inutiles réajustements de cadre lorsqu’il filme ces témoignages pourtant savoureusement écrits.

C’est d’ailleurs cette écriture drôle et cruelle qu’on ne peut pas lui reprocher. Son trio amoureux repose pour beaucoup sur ces échanges choyés et sur ces silences bavards. On suit avec une assiduité sans brèche, les amours contrariées de ces deux amis amoureux de la même personne. Ce bellâtre n’a de cesse de leur distillé des signes torrides, sauvages, ambiguës pour finalement les laisser sur le tas.

Et puis on ne pourra pas reprocher non plus à Dolan de ne pas soigner ses lumières, ni ses ambiances, ni sa musique. Encore moins d’être partout à la fois. On a vite fait d’oublier qu’en plus d’être acteur, réalisateur, scénariste, le jeune homme est aussi au montage et à la conception des costumes. Le perfectionnisme agace, il est à mon avis loin de l’ignorer, mais comme il le dit lui même, cela lui passera.

Enfin, il faut reconnaitre à Dolan la conviction avec laquelle il s’atèle à construire une œuvre homogène, traitant des affres des rapports humains avec cette plume vive et caustique. Les multiples similitudes que l’on notera entre J’ai tué ma mère et Les amours imaginaires vont clairement dans ce sens : les apartés témoignages, la course poursuite dans les bois, cette conflictualité avec le sexe féminin... Le canadien bâtit une œuvre complexe et raffinée, et c’est bien là l’essentiel !

Mais que les sceptiques se rassurent, ceux qui voudront continuer à bavasser sur le « comportement imaginaire » du jeune homme auront de quoi jaser encore et encore après avoir vu le film. En effet, la succincte apparition de Louis Garrel, autre tête de turc du cinéma francophone, ne sera pas là pour leur suggérer l’idée qu’on peut être quelqu’un de (soit disant) insupportable et faire des films qui valent le coup d’être vu.

Alone With King Kong – Three hats on one head (CKK010)

On sent qu'une des têtes pensantes de Chez Kito Kat a quelque chose à voir avec le monde de l'éducation. Ce maxi est comme un cadeau de fête des mères qui arrive dans ta boite aux lettre. Une missive tout ce qu'il y a de plus infantile, dans son fourreau fait main (c'est une habitude) mais cette fois ci complétement bricolé. Pas forcément réussi d'ailleurs, au niveau pratique, qui te force à déchirer le paquet agrafé pour en retirer la galette. Mais finalement en se laissant convaincre par ces vingt minutes on comprend le pourquoi. Alone With King Kong est une sorte d'éternel enfant du rock, héritier des plus grands, qui balance ici avec humilité des pops songs allant du cool au carrément génial. Décontraction et humilité font souvent bon ménage en musique, et Alone with King kong nous balance un disque bancal et foutraque, ou les trombones secouent avec une bonne humeur cette contrebasse nonchalante et cette voix de loser assumé qui avoue ne pas être Neil Young, qui avoue ne pas composer ici les meilleures chansons du monde. Marrant d'entendre avec quelle grâce le (bien?) nommé KK nous fait siroter ses notes en leur donnant une teinte lo fi sans aspirations autres que la légèreté de la musique. Musique qui d'ailleurs semble être son moyen d'exprimer son manque de confiance en lui ''I'm gonna sell this guitar/ Throw my tunes in the fire/It's over''. C'est aussi la principale explication du parti pris artistique de l'artiste qui décide de ne jamais trop en faire, que ce soit dans le format court, dans les morceaux immédiats, dans la voix qui sait toujours rester à sa place ou encore dans les instruments qui ne deviennent jamais pompeuses (écueil propre des hommes orchestres d'ailleurs). Nick Drake sur Quiet Nights et son violon sur un accord à la Cohen, les Kinks salis par ce trombone génialement placé sur LE tube du disque ''Better than mine'', ou comment revisiter ses propres standards en balançant une poignée de morceaux bien sentis, pour la fête des mères.

Maintenant, KK qui livre l'objet CKK010, j'en viens à soupçonner les Kito de faire une fixette. A bientôt sur les planches. (Chez Kito Kat et Myspace du projet)

Grinderman - Grinderman 2

Dans le cahier des charges de ce disque, il était clairement indiqué: ''Faire du Nick cave sans écrire Nick Cave sur la pochette''. Le premier opus il y a une paire d'années remplissait ce constat navrant: le disque était bon, voire trés bon, mais ne justifiait pas réellement l'éclosion d'un nouveau projet suite au retour des bads seeds avec Nick Cave sur l'excellent Dig Lazarus Dig. Pendant que Blixa Bargeld s'amuse avec Neubauten dans diverses tournées, ou structure son nouveau projet avec Alva noto avec la sortie d'un nouvel objet chez Raster Noton, Nick Cave et les Bads seeds (moins un donc) reviennent avec ce Grinderman deuxième du nom. Un clip en mise en bouche (Pour Heathen Child, visonnable ici) qui laissait augurer le meilleur de la part du Monsieur, avec ses constructions éclatées musicalement, cette production directe et surtout ces images psychédéliques décalées en guise de support visuel. Là où le premier opus était un peu consensuel, sans réellement de mordant, et ennuyait peut être sur la durée, du moins suffisamment pour qu'il ne soit pas considéré comme essentiel, cette suite signe enfin une grosse demi heure inspirée. Grinderman 2 possède cette fougue, cette folie qu'il manquait au premier opus. Nick Cave est ce catalyseur d'inspiration qui permet de libérer les compositions de ses mauvaises graines qui cette fois ci s'éloignent du melting pot ardu d'influences que leur ancien projet leur imposait.
C'est d'ailleurs bien là l'essence de ce projet, qui prend forme peu à peu sous nos yeux. Nick Cave et sa bande de potes avaient besoin de se libérer d'un nom étouffant, d'un projet exigent pour revenir aux racines de leur rock n roll, éclater leurs structures, faire crisser les instruments mais aussi les caresser. Grinderman 2 est le pot pourri musical sans but ni origine. Des guitares apparaissent et scient la commodité pour repartir mollement, voire d'un coup et sombrer dans l'oubli. Grinderman est un projet qui n'a au final aucun réel objectif, ni aucune aspiration autre que le son brut pour l'amour du son. Nick Cave peut alors s'envoler et s'éloigner de son devoir de maitre de cérémonie, pour laisser ses amis aux backing vocals, pour laisser s'insinuer le coté tribal et dansant de When my baby comes, pour laisser les instruments vivre. C'est finalement à l'écoute de ce Grinderman 2 que l'on se rend compte que Dig Lazarus n'était qu'une tentative d'aboutir à quelque chose, qui se dessine ici même, loin du costume engoncé des murder ballads.

La Meute de Franck Richard

Mercredi soir, dans la nuit noire, métro Stalingrad, MK2 Quai de Seine. La fraîcheur grisante de cet automne avenant revigore mes neurones éteints par le dernier film de Christophe Honoré. J’aurai pu vous parlez d’Homme au bain, troisième film « conventionnel » (après Saw VI et L.A. Zombie) de François Sagat, acteur de porno gay. Mais je me suis abstenu. C’est certainement mieux pour le film d’ailleurs. Et puis bon franchement, le petit nouveau là avec son pseudo de cinéphile intello qui se la pète, faudrait pas qu’il se prenne pour un nabab du net. Y a des dirlos ici. Paraît même qu’il y en a un au crâne rasé qu’a un air peu commode…

Mais là je ne peux plus. Dimanche a débuté depuis une heure et vingt minutes quand j’écris ces mots et j’ai passé mon samedi soir au cinéma. Ca a un peu excité ma verve (non, pas ma verge, merci de rectifier vos esprits tordus) et mon tube d’anxiolytiques fini, je n’avais plus aucune raison de la taire.

Voilà pour la frustration contenue. Place au dilemme. Les femmes vous poussent souvent à faire des choses que vous n’auriez jamais faites tout seul. C’est encore plus vrai pour ceux qui s’embarrassent d’une de leur représentante dans leur vie. Mais en avoir comme amie peut suffire à sacrifier votre amour propre et à aller voir n’importe quoi. Ce fut mon cas pour le premier des deux films que je viens de voir.

J’avoue que l’idée de voir le dernier film de Joel Schumacher ne m’était pas venue à l’esprit. Pas même pour y voir l’arrière train de 50 Cents qui joue le rôle d’un dealer (grosse prise de risque…) ; pas même, non plus, pour constater une nouvelle fois que Schumacher est un réalisateur vulgaire qui n’a d’autre talent que de filmer avec toutes les outrances possibles des visages qui ne recèlent aucun sentiment. La misère émotionnelle des personnages, l’omniprésente et kitchissime voix off de Kiefer Sutherland et la caricature hideuse à laquelle s’adonne Schumacher durant 90 minutes ne valent pas plus de lignes. Côté féminin, l’argument était de poids mais n’aura pas suffi à sauver le récit : Chace Crawford, bellâtre au regard cyan perturbant il faut l’avouer, transféré du Manhattan chicos et turbulent de « Gossip Girl » au… Manhattan chicos et turbulent de Twelve.

Non ce n’est pas de ça dont je veux vous parler. Ce qui vaut vraiment un billet, plus que mes états d’âme dont vous vous lassez certainement, c’est La Meute. Le casting avait de la gueule : voir Yolande Moreau, Benjamin Biollay et Philippe Nahon sur la même affiche, ça promet des étincelles. Le trailer mettait d’ailleurs à profit cette jolie bande de ferrailleurs grincheux aux visages usés et leur gouaille inclassable.

Le pitch lui laisse dubitatif. Une jeune femme (Emilie Dequenne) prend un homme en stop (Biollay). Ils s’arrêtent dans un troquet pourri et cet homme disparaît dans les toilettes. Intriguée, la jeune femme se lance à sa recherche et se fait kidnapper par la tenancière du bistro qui lui réserve un sort tout à fait ésotérique.

La Meute est un film multiple qu'on a un peu de mal à ranger. Le récit débute comme un road trip mené par une Emilie Dequenne qui conduit une vieille caisse moisie en écoutant du rock dur et qui enchaîne les clopes. Puis de road trip le film devient western. Notre Dequenne se transforme en Calamity Jane qui rencontrerait un Cow-boy solitaire. Ensemble ils partagent un bout de chemin dans ce désert brumeux. Ils s'arrêtent dans le saloon de Yolande Moreau sur la grille duquel est placardée le panneau "Texas". Ils y rencontre un Nahon chevauchant son vélo en poussant de petits hennissements et qui se prend pour le shérif du comté. Ajoutez à cela une bande de motards qui oscillent entre fascisme et homosexualité refoulée, menée par un Joe Dalton surexcité, un petit chinois en cage qui répète à tu tête le nom de John Wayne et vous avez l’ensemble des figures typiques du western… Ah non, manque le chicanos aux dents longues, mais bon, on va pas chipoter.

Le tout est bien crasseux, bien vitreux, avec ce petit brin de perversité qui laisse présager un tournant vicieux et sanglant qu’on attend en trépignant. On se lèche les babines lorsque les premiers échanges fleuris fusent dans le tripot. Richard donne l’impression de convoquer l’ambiance poisseuse et la fantaisie foutraque des frères Poiraud et de leur déjanté Atomik Circus dans un acte d’exposition digne de La Colline a des Yeux de Wes Craven.

Puis, les premières atrocités passées, tout fout le camp. Les dialogues tout d’abord qui de truculents deviennent volatiles pour finalement disparaître dans les tréfonds de l’absence. Puis, l’acmé, le climax comme on dit dans le jargon, l’arrivée des zombies… On ne rêve pas mais vraisemblablement le réalisateur a décidé de rendre hommage à Sam Raimi et à son Evil Dead. Il nous gratifie d’une petite bande de zombies (par faute de budget, leur nombre oscille entre 4 et 8… terrifiant) aux visages gratinés, vêtus comme des éboueurs, qui dévorent des gens dans une profusion minimaliste d’effets visuels assez rétro.

« Chaos regn » aurait dit le renard mouillé d’Antichrist. Comment, comment, alors que jusque là tout tournait assez convenablement à défaut d’être totalement excitant, comment (oui trois fois) un réalisateur peut perdre à ce point le sens des lumières, le sens des réalités, le sens de la crédibilité ? Toute proportion gardée, le film qui tendait plutôt vers un Frontières version Bidochon cannibales se vautre confortablement en ressuscitant des profanateurs de sépulture qu’Uwe Boll aurait maquillés à la truelle… Reste une bonne idée (attention spoiler), celle de filmer le visage d’Emilie Dequenne en train de se faire dévorer la guibole en donnant cette jouissive impression qu’elle a un orgasme et d’enchaîner dans la scène suivante avec la même Dequenne enceinte, reprenant le rôle de Yolande Moreau.

Finalement, on sait où La Meute ira se ranger. Quelque part dans le rayon série Z, pas minable (pas vraiment en tout cas) mais curieuse et fauchée, le rayon des films de genre qui ont mal tourné. La comparaison me vient comme ça mais c’est un peu comme si au milieu du tournage de La nuit des morts vivants, Ed Wood avait remplacé Romero et en avait fait un film sur la transsexualité au Far West… Etrange non ?